Il Colore come elemento visivo dell'Arte

L'elemento visivo del colore ha l'effetto più forte sulle nostre emozioni.
È l'elemento che usiamo per creare atmosfere o sensazioni in un'opera d'arte,
sia essa un quadro, una fotografia o un design

WASSILY KANDINSKY (1866-1944) Paesaggio autunnale con barche, 1908 (olio su tavola)

Esistono molti approcci diversi all'uso del colore nell'arte:

Colore come luce
Colore come tono
Colore come modello
Colore come forma
Colore come simbolo
Colore come movimento
Colore come armonia
Colore come contrasto
Colore come stato d'animo

Alcune opere illustrate qui di seguito usano il colore in modo stimolante. Vediamo allora di analizzarle per scoprire come i grandi artisti usano l'elemento visivo colore come forza creativa nel loro lavoro.

COLORE COME LUCE
 

GIACOMO BALLA (1871-1958) Lampione, 1909 (olio su tela)

Il colore è la sensazione stimolata nel nostro cervello da diverse lunghezze d'onda della luce. Una lunghezza d'onda stimolerà la nostra percezione del rosso, un'altra l'arancione, un'altra il giallo e così via per tutti i colori dello spettro.

Il dipinto di Giacomo Balla di un lampione è un'impressione poetica che rappresenta le proprietà fisiche della luce. Al centro, la lampadina brucia con un calore bianco nell'oscurità della notte. Il suo bagliore radiante si dissolve in onde concentriche, ognuna delle quali diminuisce di intensità e cambia colore per suggerire le diverse lunghezze d'onda dello spettro.

Balla era un futurista che riveriva la modernità della vita urbana. Dipinse "Street Light" al tempo in cui l'illuminazione elettrica fu introdotta per la prima volta nelle strade di Roma. È una celebrazione futurista del potere della tecnologia come simbolo della nuova era. La luce supera persino la natura stessa mentre la corona della luna crescente lotta per competere con la sua incandescenza. La tecnica pittorica che Balla impiegava derivava dal puntinismo, un approccio più scientifico all'analisi del colore, e come tale crea il perfetto connubio tra il soggetto e la sua esecuzione.

RENÉ MAGRITTE (1898-1967) Empire of Light, 1954 (olio su tela)

L '"Empire of Light" di René Magritte è un'immagine innocente del silenzio suburbano con un tocco surreale: la scena è ambientata a mezzanotte, ma il cielo è fisso a mezzogiorno. Questa immagine contrastante unisce un conflitto di opposti all'interno della sua struttura unificata: il giorno incontra la notte, l'oscuro incontra la luce e la realtà incontra l'immaginazione. La tecnica convincente che usa per dipingere il quadro convince lo spettatore a impegnarsi con la ricerca impossibile di un significato razionale, in modo da attirarli nel regno irrazionale del Surrealismo.

COLORE COME TONO
 

EMILE NOLDE (1867-1956) Lago dei Quattro Cantoni, 1930 (acquerello su pergamena)

Il colore drammatico combinato con una vigorosa tecnica pittorica è l'elemento chiave dell'Espressionismo. La pittura espressionista riguardava maggiormente l'uso del colore e le sue qualità fisiche come mezzo per esprimere i propri sentimenti riguardo al soggetto piuttosto che descriverlo semplicemente in modo tradizionale.

'Lake Lucerne' di Emile Nolde è un classico esempio di tecnica pittorica espressionista. È dipinta più dalla memoria che dall'osservazione, usando la fluidità naturale dell'acquerello per rispecchiare l'umore mutevole del paesaggio. Inizialmente Nolde assorbe il suo foglio, in questo caso pergamena, con acqua. Quindi costruisce le forme delle montagne con lavaggi in diversi toni di blu, più intensi in primo piano che diventano più chiari sullo sfondo. Questo crea un'impressione di prospettiva aerea mentre i toni dei colori sembrano sfumare nel paesaggio distante. Continua ad usare una tecnica "bagnato su bagnato" per formare gli strati effimeri di nuvole e le riflessioni acquose nel lago. Infine, applica una macchia di giallo che sanguina sulla superficie umida per creare il bagliore del sole al tramonto che poi ripete sul lago per creare il suo riflesso.

Emile Nolde ha commentato la sua tecnica dell'acquerello, "Avevo sempre voluto dipingere in modo che io, il pittore, fossi il mezzo attraverso il quale i colori hanno elaborato il loro sviluppo logico nello stesso modo in cui la natura crea il proprio lavoro ... A volte mi sento come se io stesso non potessi fare nulla, ma la natura dentro e attraverso di me può fare molto ".

COLORE COME MODELLO

JUAN GRIS (1887-1927) Violino e scacchiera, 1913 (olio su tela)

Nel cubismo l'artista seleziona le caratteristiche essenziali da molteplici punti di vista del soggetto e li ricostruisce come una composizione astratta. Nella fase di disegno di un dipinto cubista, l'artista è stato spesso confrontato con una struttura confusa di linee e forme a cui avrebbe applicato schemi di colore, tono e consistenza nel tentativo di organizzare la disposizione spaziale della composizione.

In 'Violin and Checkerboard' di Juan Gris, l'artista assegna colori diversi a forme particolari che creano un modello asimmetrico di forme disposte intorno al tessuto bianco al centro del dipinto. Questo modello di colori guida l'occhio dello spettatore in un movimento in senso orario intorno all'immagine. Il colore distribuito come motivo irregolare è spesso usato come elemento unificante nella composizione delle opere d'arte.

COLORE COME FORMA

ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Ritratto di Matisse, 1905 (olio su tela)

Per creare l'illusione della forma in un dipinto, gli artisti hanno tradizionalmente aggiunto pigmenti più chiari e più scuri al colore principale di un oggetto, al fine di rendere gli effetti naturalistici della luce e dell'ombra. Il principale svantaggio di questa tecnica era che gran parte dell'intensità del colore originale veniva sacrificata quando veniva mescolata con luci e ombre. Gli impressionisti avevano introdotto un approccio più scientifico all'analisi del colore per cercare di risolvere questo problema, mentre alcuni dei post impressionisti avevano iniziato a usare il colore strutturalmente (Paul Cézanne e Georges Seurat) e simbolicamente (Gauguin e Van Gogh).

Il gruppo di artisti che si annoiavano con tutti i vari approcci naturalistici, strutturali e simbolici all'uso del colore nella pittura era: "Les Fauves". Volevano semplicemente usare il colore che parlava allo spirito, celebrandone la vitalità e il fattore benessere.

Il fauvismo era uno stile pittorico sviluppato all'inizio del XX secolo da Henri Matisse e André Derain. 'Les Fauves' ha apprezzato il colore intenso per il suo impatto emotivo più che per la sua capacità di rendere la forma. Hanno usato i colori al loro più alto tono con una tecnica di disegno semplificata per esprimere i loro sentimenti sui loro soggetti.

Nel dipinto sopra, André Derain dimostra come l'intensità del colore fauvista possa essere utilizzata per sostituire la tecnica tradizionale di rendere la forma con luci e ombre. All'inizio Derain semplifica il suo disegno di Matisse in piani angolari. Successivamente, seleziona colori che sono sensibilmente equilibrati, con un certo rispetto per i loro valori tonali, ma con la massima intensità. Infine i colori sono applicati in lastre di pennellata espressiva senza alcuna sfumatura sottile. Colore e forma ora coesistono come uguali nella sua pittura, sia esprimendo e descrivendo questo 'Ritratto di Matisse'.

COLORE COME ARMONIA

EDGAR DEGAS (1834-1917) Ballerini blu, 1899 (pastelli)

L'armonia è la compatibilità, l'equilibrio o la progressione di elementi simili. 'Blue Dancers' di Edgar Degas è un dipinto pastello accuratamente composto che illustra l'armonia del colore e molti altri elementi visivi:

La forma del dipinto è quadrata mentre il movimento rotatorio delle figure è composto all'interno di un diamante che forma un'armonia di forme rettangolari.
I fronzoli decorativi attorno ai corpetti degli abiti formano una sottile armonia di curve.
Le proiezioni appuntite di braccia, gomiti e polsi creano un'armonia ritmica di angoli.
Le calde ocre dello sfondo dovrebbero scontrarsi con i freschi vestiti blu in primo piano in quanto sono colori opposti. Tuttavia Degas riconcilia la loro opposizione con un'intelligente armonia dei loro colori. Sbuffa tracce di blu sul caldo fondo ocra che è controbilanciato dalla vernice di ocra che batte sotto i vestiti blu. Ciò ha l'effetto di armonizzare il primo piano con lo sfondo, ma mantiene ancora un contrasto sufficiente a stimolare il nostro interesse.
 

COLORE COME CONTRASTO

JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775-1851)
Burning of the Houses of Lords e Commons, 1835 (olio su tela)

Pochi pittori nella storia dell'arte catturano l'intensità della luce e dell'energia come Turner. Nella sua prima delle due versioni di "Il fuoco delle case dei signori e dei comuni" (1835), gli elementi visivi del dipinto sono alimentati dalla collisione degli elementi classici di terra, aria, fuoco e acqua.

Turner ha assistito personalmente a questo evento, tra le migliaia di persone che allineate la riva sud del Tamigi e su una barca hanno assistito alla scena. Ha creato una serie di veloci schizzi ad acquerello, ma non è chiaro se siano stati dipinti sul posto.

La composizione dell'opera è divisa in quattro sezioni, ognuna delle quali ospita uno dei quattro elementi classici. A sinistra l'arancione ardente e il giallo degli edifici in fiamme si contrappongono al freddo blue e al lillà del cielo. I colori caldi delle fiamme e i loro riflessi (fuoco e acqua) sono intensificati dai colori freddi del cielo e del ponte (terra e aria). Una simile tensione è stabilita dal contrasto tonale della folla oscura contro il fiume di luce che è controbilanciata dalla leggera pietra arenaria del Westminster Bridge contro il cielo che si oscura. Questo dipinto è un contrasto sapientemente combinato di colori, toni e elementi classici opposti che Turner ha ideato per aumentare l'impatto di ciascuno.

COLORE COME MOVIMENTO

VICTOR VASARELY (1906-1997) Vonal KSZ, 1968 (stampa serigrafica)

Quando guardi un'opera d'arte astratta, il cervello cerca istintivamente segni di ritmo e ordine per cercare di dare un senso spaziale all'immagine. Victor Vasarely sfrutta questo impulso per creare un'impressione di movimento combinando quadrati graduati e colori sequenziali. Questi portano l'occhio dentro e attraverso l'immagine con accelerazione crescente e decrescente. I quadrati, che vanno da grandi a piccoli, sono allineati sui loro assi orizzontali ma sono sfalsati sui loro assi verticali per creare l'illusione di un tunnel la cui prospettiva vertiginosa si dispiega mentre si dirigono verso il punto di fuga al suo centro.

Separazione delle progressioni di colore in Vonal KSZ, 1968 (stampa serigrafica)

I quadrati sfuggenti in questa immagine creano il movimento mentre la progressione dei colori determina la sua velocità. Nella nostra illustrazione sopra abbiamo separato le sequenze alternative di colori in modo da poter vedere la loro relazione in modo più chiaro. Si può distinguere la scala tonale mentre una sequenza si sposta dall'oscurità alla luce in quella scura, mentre l'altra si sposta dalla luce allo scuro alla luce.
I contrasti mutevoli di queste sequenze formano una controcambiatura di toni e colori che danno origine al giro sulle montagne russe retiniche che è "Vonal KSZ".

COLORE COME SIMBOLO

VINCENT VAN GOGH (1853-1890) - The Potato Eaters, 1885 (olio su tela)

Questo è il capolavoro di Van Gogh del primo periodo della sua opera prima di trasferirsi a Parigi nel 1886. "I mangiatori di patate" sono una povera famiglia di contadini olandesi che si siedono per condividere la loro frugale cena. Sono i braccianti agricoli, i verdi terrosi e i marroni che Van Gogh usa per dipingerli simboleggiano la loro vicinanza e dipendenza dalla terra per la loro sopravvivenza. C'è un'unità di colore e consistenza tra le mani e le facce dei contadini e le patate e il caffè che condividono. I toni scuri e cupi dell'opera riflettono simpaticamente la loro esistenza umile e il rispetto dell'artista per la silenziosa dignità del loro lavoro.

COLORE COME STATO D'ANIMO - GIOIA

VINCENT VAN GOGH (1853-1890) Girasoli, 1888 (olio su tela)

Per Van Gogh, il giallo era il colore della gioia e dell'amicizia. Ha dipinto una serie di almeno sette immagini di girasoli per decorare le stanze della sua "Casa gialla".
Questi dipinti erano stati concepiti come benvenuto al suo amico e collega pittore Paul Gauguin con il quale sognava di fondare uno "Studio del Sud" ad Arles, nel sud della Francia.

In contrasto con l'umore cupo di "The Potato Eaters", "Sunflowers" è uno dei dipinti più gioiosi nella storia dell'arte. Nonostante abbia echi dei soggetti di Vanitas delle nature morte olandesi del XVII secolo, mentre alcune delle sue fioriture si sono trasformate in teste di semi morti, si illumina ancora di uno splendore che trascende ogni accenno di malinconia.

La composizione dell'opera è la semplicità stessa: quindici girasoli siedono in un vaso su un tavolo; sono disposti simmetricamente e riempiono la tela; il vaso, i fiori, il tavolo e lo sfondo sono prevalentemente gialli e non proiettano ombre. È questa assenza di complicazione sia nel disegno che nella disposizione del lavoro che libera il suo colore a comunicare con un'intensità maggiore di quanto ci si aspetterebbe.
I "girasoli" irradiano il colore piuttosto che usarlo come elemento descrittivo.

Questa è un'immagine chiave nello sviluppo della pittura moderna e le basi del Fauvismo e dell'Espressionismo si trovano nel suo concetto radicale. Van Gogh aveva teorie rivoluzionarie sul colore. Lo ha spiegato lui stesso come imitazione della natura e per esprimere le sue emozioni: "Perché invece di cercare di riprodurre esattamente ciò che vedo davanti ai miei occhi, uso il colore in modo più arbitrario per esprimermi con forza."

COLORE COME STATO D'ANIMO - TRISTEZZA

PABLO PICASSO (1881-1973) The Old Guitarist, 1903-04 (olio su tavola)

Usiamo spesso il linguaggio del colore per descrivere le nostre emozioni. Diciamo di essere "rossi" di rabbia o "verdi" per l'invidia. Se ci sentiamo bene siamo nel 'rosa' o se siamo tristi abbiamo il 'blues'. Quando Pablo Picasso dipinse 'The Old Guitarist' stava sicuramente soffrendo del 'blues'. In effetti, il corpo principale del suo lavoro tra il 1901-04 è ora indicato come il suo "Periodo blu".

Nel 1901 Picasso sprofondò in una profonda depressione dopo il suicidio del suo caro amico Carlos Casagemas. La sua opera successiva rifletteva il suo triste stato psicologico sia nei suoi soggetti che nei colori che usava per dipingerli. Un sintomo della sua depressione fu che entrò in un periodo di esilio sociale autoimposto. Come conseguenza si identificò con coloro che la società aveva esiliato - i poveri, i soli, gli infermi, i vagabondi indigenti e i vagabondi della strada - che divennero i soggetti della sua opera. Dipingeva queste figure dolenti per lo più in toni di blu per evidenziare il loro umore malinconico.

'The Old Guitarist' è un'opera importante che illustra gli elementi chiave del 'Periodo Blu' di Picasso. C'è una forte attenzione sull'umanità del vecchio uomo il cui fisico emaciato e contorto non esprime solo l'angoscia della sua triste condizione, ma anche le emozioni tormentate dell'artista stesso. Questa è un'immagine senza tempo il cui stile unisce passato e presente. Deve tanto al manierismo torturato di El Greco del XVI secolo quanto all'introspezione contemporanea dell'Espressionismo. L'uso del blu di Picasso come il corrispondente colore della tristezza viene neutralizzato dall'ombra confortante della chitarra marrone. Il suo tono sentimentale è l'unica nota di consolazione in questa immagine tragica.

COLORE COME STATO D'ANIMO - PACE

GUSTAV KLIMT (1862-1918) Isle on Lake Attersee, 1902 (olio su tela)

La reputazione di Gustav Klimt è stata costruita sui suoi dipinti di allegorie sensuali e ritratti di belle donne, tutti gocciolanti di opulenti ornamenti in una fusione di figurazione e astrazione. Klimt era un maniaco del lavoro. La sua idea di trascorrere una vacanza tranquilla era dipingere un soggetto diverso, in uno stile diverso, in un luogo diverso. Per circa sedici anni (1900-1916) visitò il Salzkammergut, una pittoresca regione di laghi alpini, foreste e montagne dove, per rilassarsi, dipingeva paesaggi. Queste opere erano quasi sempre di forma quadrata poiché utilizzava lo stesso piccolo mirino color avorio per incorniciare il paesaggio. Di conseguenza, la composizione di questi dipinti era piatta e modellata in quanto "ritagliava" l'immagine intorno o sotto l'orizzonte, annullando in tal modo l'effetto della prospettiva. Ciò gli ha permesso di concentrarsi sulle relazioni astratte dei colori, delle forme, dei motivi e delle trame dei boschi e del lago.

L'"Isle on Lake Attersee" ha molte delle caratteristiche dei paesaggi estivi di Klimt. L'isola e il suo orizzonte sono in cima all'immagine e agiscono come una cerniera che fa oscillare l'attenzione sulla superficie riflettente del lago. Ci sono poche altre attività pacifiche come sedersi in riva al lago e osservare il barlume di luce e colore sulla superficie dell'acqua. Klimt trasmette quella sensazione pacifica di totale rilassamento e soddisfazione nel modo in cui focalizza la sua attenzione sullo spettro impressionistico dei riflessi turchesi e blu che si fondono dolcemente nelle morbide onde della luce solare gialla.

COLORE COME STATO D'ANIMO - ANSIA

EDVARD MUNCH (1863-1944) The Scream, 1893 (olio, tempera e pastello su cartone)

'The Scream' di Edvard Munch è entrato nella coscienza pubblica come emblema dell'ansia. Tutti i suoi componenti si combinano per formare un'immagine di rovina imminente; è un attacco di panico in elementi visivi. I due colori principali del dipinto sono l'arancione e il blu, un contrasto oscuro da estremità opposte dello spettro garantito per formare una relazione tesa. Uno stato ansioso di agorafobia è generato dalla prospettiva estesa del ponte e dalle onde inquietanti e loro del suono che echeggia nel fiordo. Un senso profondo di isolamento e impotenza viene sperimentato dalla figura che si tiene la testa per assorbire l'assalto fobico da questo ambiente, mentre il suo percorso di fuga è bloccato dalle figure spettrali ad un'estremità del ponte e dal confine misterioso che incanala il colore bruciante del cielo all'altro.

La figura è Munch stesso. Nel suo diario del 1892 scrisse: "Stavo camminando lungo la strada con due amici, il sole tramontava, sentivo una sfumatura di malinconia, all'improvviso il cielo diventava un rosso sanguinante, mi fermai, appoggiato alla ringhiera, stanco morto. Guardai le nuvole fiammeggianti che pendevano come sangue e una spada sopra il fiordo blu-nero e la città.I miei amici camminarono avanti. Io stavo lì, tremante di paura. E sentii un urlo forte e interminabile che trafiggeva la natura."

COLORE COME UMORE - RUMORE
 

GINO SEVERINI (1883-1966)
La danza del Pan-Pan al Monico, 1909-1911 / 1959-1960 (240cm x 400cm, olio su tela)

Abbiamo iniziato questa analisi del colore nell'arte con un dipinto futurista e la chiudiamo con un altro. "La danza del Pan-Pan al Monico" fu il grande centrotavola della prima Esposizione futurista fuori dall'Italia organizzata da Gino Severini alla Galerie Bernheim-Jeune di Parigi. Fu dipinto nel 1909-11, ma questa versione fu distrutta e Severini la ridipinse da una cartolina nel 1959-60.

I futuristi hanno abbracciato il rumore, l'energia e l'intensità della vita moderna nelle città. La rumorosa vita notturna del cabaret con le sue vibranti mode e il suo audace ballo ai ritmi ragtime, il tutto illuminato dalla moderna illuminazione elettrica, è stato lo scenario perfetto per una visione del divertimento futurista. Severini distrugge questa immagine in innumerevoli frammenti che ricompone in una composizione dinamica che cattura la coscienza collettiva del Futurismo. Contrasti di colori opposti si scontrano in una struttura infrangibile che incornicia il divertimento, i divertimenti, il rumore e l'eccitazione dell'intrattenimento moderno.